A diferencia de Oriente donde los estilos perduraron por
miles de años, en Occidente nunca se conoció esta inmovilidad, siempre surgían
constantemente nuevos estilos que obligaban a los maestros de las artes a
cambiar sus obras cuando recientemente habían terminado, esto se puede
evidenciar en el arte románico de siglo XII, donde un nuevo estilo hizo que las
iglesias que recientemente habían sido abovedadas y sus estatuas habían sido
distribuidas de manera diferente parecieran vulgares y anticuadas.
Este nuevo estilo surgió en Francia y fue el inicio del
estilo gótico, ahora las iglesias se abovedaban con vigas cruzadas, para lo
cual los pilares bastaban, así que las piedras restantes eran solo de relleno,
es decir los muros macizos que habían entre los pilares no eran absolutamente
necesarios y se reemplazaron por amplios ventanales, esta fue la idea que precedió las catedrales
góticas de la segunda mitad del siglo XII.
Es evidente que existieron mas invenciones que lograron
constituir este nuevo estilo de la arquitectura gótica, por ejemplo: los arcos
semicirculares de la arquitectura románica resultaron inadecuados, así que se
cambiaron por dos arcos que encuentran un segmento en lo alto, logrando así
arcos apuntados; las pesadas piedras de la bóveda ejercen tensión sobre el arco
y para esto resultaron necesarios sólidos contrafuertes para mantener la
estructura y en la nave central fue necesario el uso de arbotantes que
sostenían la nave a través de las alas.
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Vista aérea que muestra su planta cruciforme y los arbotantes.
http://goo.gl/qoZtIw |
En el interior de estas iglesias se puede notar un
entretejido de flechas y vigas sutiles que recorren toda la nave hasta llegar a
los pilares; los ventanales están distribuidos en medio de estas. Estas
catedrales ya no ofrecían esa sensación tan fuerte de protección, mas bien
ofrecían un reflejo del otro mundo lleno de joyas y calles de oro puro y vidrio
que profetizaba el Apocalipsis.
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Sainte-Chapelle, París. 1248. Vidrieras góticas.
http://goo.gl/pDCtCl
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Tanto el interior como el exterior de estas construcciones
parecen proclamar la gloria de Dios, la fachada por ejemplo de la catedral de
Notre-Dame se muestra increíblemente flexible, sin esfuerzo y majestuosa, que
da la sensación al espectador de que no pesa.
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Catedral de Notre Dame, París. 1163-1250. Catedral gótica.
http://goo.gl/ECIvhi |
En cuanto a las esculturas que adornaban los templos, el
maestro que adorno el pórtico norte de la catedral de Chartres dio vida a cada
escultura, parecen tener movimiento, se nota la presencia de un cuerpo bajo las
vestiduras, además, todas poseen un
símbolo reconocible por todo aquel que haya leído el Antiguo Testamento,
como Moisés que sostiene las tablas donde le fueron dados
los diez mandamientos; todo esto con el fin de que sus mensajes fueran
comprendidos y meditados por los creyentes, en conjunto forman una red de
enseñanzas de la Iglesia, sin embargo para el artista gótico cada una de estas
tenía una individualidad particular y por eso representaban con la mayor
veracidad cada una de estas.
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Melquisedec, Abraham y Moises. 1194.
http://goo.gl/Yeenij |
Vemos como se vuelve
importante para el artista mostrar los sentimientos de los personajes y
apropiarse del espacio que tienen a disposición, conservando todavía la
simetría del arte primitivo, pero mostrando claramente una alta habilidad
técnica cuando representan la caída de los ropajes en los cuerpos; los artistas
comenzaron a aprender de la naturaleza la forma de representación de los
cuerpos para crear figuras de aspecto convincente.
Sin embargo existe gran diferencia entre el arte griego y el
gótico ya que para el artista gótico es mas importante representar su tema
sagrado de la manera más emotiva y veraz posible, para que los creyentes se
conmuevan más con la actitud de los personajes, que con sus cuerpos, era
evidente que manejaban por fluidez la figura humana sin embargo no era tan
fácil para ellos hacer un retrato.
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Tránsito de la Virgen en el pórtico del transepto sur de la catedral de Estrasburgo. h. 1230.
http://goo.gl/ZrYbx6 |
Para los artistas del siglo XIII lo mas importante era
trabajar en las catedrales y para los
pintores ilustrar los manuscritos, ellos al igual que los escultores
muestran una gran importancia en el hecho de mostrar el sentimiento de las
figuras representadas en el cuadro, también es importante la distribución armónica
de los personajes sin importar la perspectiva o el tamaño de las figuras: por
ejemplo en la ilustración que muestra el entierro del Cristo análogo, las
figuras de la Virgen y Juan muestran gestos de dolor, los ángeles se sitúan en
las esquinas superiores y los criados se diferencian por sus sombreros
puntiagudos como los que usaban los judíos de la época, otra particularidad
evidente de los artistas góticos es la forma de representación de las figuras
como si pertenecieran a su época, así hayan existido hace miles de años.
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Entierro del Cristo, h. 1250-1300.D el salterio manuscrito de Bonmont.
http://goo.gl/bsR3R4 |
A partir del siglo XIII los artistas abandonaron lo
esquemático en los temas de interés, esto generó un gran impacto en el arte, se
tiende a creer que un artista es una persona que en un libro de apuntes plasma
lo que le gusta copiando directamente lo que ve, sin embargo, en el medioevo,
la educación y aprendizaje artístico eran muy diferentes a comparación del
renacimiento o los posteriores movimientos más contemporáneos.
La estructura estaba dada en un orden jerárquico de
aprendizaje, en el cual escalaba puestos a medida que aprendía. Es decir,
“Empezaba siendo un aprendiz de un maestro, al que acudía para instruirse y
ocuparse de algunos pormenores del cuadro poco importantes. Gradualmente debía
aprender cómo se representaba un apóstol y cómo se dibuja a la Virgen.
Aprendería a copiar y a adaptar de nuevo escenas de viejos libros, encajándolas
en diferentes marcos, y acabaría finalmente por adquirir bastante facilidad en
todo esto como para ser capaz de ilustrar una escena de la que no conociera
ningún patrón” (pag 196), pero no se vería en la necesidad de plasmar algo correcto que
viera en su entorno natural, un ejemplo de esto es la representación de un
elefante dibujado por el historiador Matthew Paris a mediados del siglo XIII.
Fue enviado por san Luis, el rey de Francia a Enrique III, siendo el primero
visto en Inglaterra; la representación poco parecido tiene con la realidad,
aunque si es similar, sin embargo, el historiador prefirió señalar las
proporciones exactas, incluso en una inscripción en latín inscribió “Por el
tamaño del hombre retratado, podéis imaginaros el de la bestia aquí
representada”, es decir, que para el artista del medioevo plasmar las imágenes
no era por falta de técnica o conocimiento, simplemente les parecían poco
relevantes a diferencia de las proporciones, que por lo visto, tenían gran
importancia.
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Matthew Paris. Un elefante y su cuidador, h. 1255.
http://goo.gl/3JG3eq
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Ahora bien, en Francia en el siglo XIII fue una época que
resalta la importancia de las catedrales gracias a su extrema riqueza, se
convirtió en una capital artística, tanto que incluso influenció a Alemania
e Inglaterra, donde fueron muy apetecidas, sin embargo en Italia estas influencias no florecieron debido a que
fue un país donde las ideas de guerra eran superiores hasta mitades del siglo
XIII donde un escultor llamado Nicola Pisano, estudió los métodos de la
escultura clásica para representar la naturaleza con mayor veracidad. Pisano
trabajó en el gran centro marítimo y comercial de Pisa, en la siguiente imagen
podemos apreciar uno de los relieves que realizó en un púlpito que aunque a
primera vista difícil de comprender se entiende su influencia medieval de
representar varios temas dentro de una obra. Esta la escena del arcángel anunciando a la Virgen del hijo de Dios (esquina superior izquierda), un pesebre (esquina superior derecha), Cristo siendo bañado por los criados (esquina inferior izquierda y una representación de los corderos (esquina inferior derecha).
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| http://goo.gl/8DOHqr |
Puede verse cómo gozó plasmando detalles observados del
natural, como el de la cabra de la esquina de la derecha rascándose la oreja
con su pezuña a su vez también podemos resaltar el cuidadoso empeño que puso en
la representación de los ropajes y pliegues.
Ahora bien, en la pintura, la influencia bizantina que
ciudades italianas como Venecia tomaron para inspirarse y guiarse se hallaban decoradas con mosaicos “a la manera griega”, y
aunque el conservadurismo oriental retrasara todo cambio, el cambio
llegó y permitió que la tradición bizantina y el arte italiano se empalmasen en
construcciones de catedrales nórdicas y todo el arte de la pintura.
El escultor no solía preocuparse de crear una ilusión de
profundidad puesto que el escorzo de los juegos de luz con la sombra creaba esta ilusión, ya que la obra solía ubicarse en espacios
iluminados naturalmente, alcanzando un gran verismo, aspecto que no poseían
ningún pintor del siglo XIII.
El arte Bizantino permitió que los italianos rompiesen la
barrera entre pintura y escultura, debido a que su arte era muy rígida y
conservaba la mayoría de los descubrimientos de los pintores helenísticos que
sobrevivieron a la edad de las tinieblas en occidente.
Giotto di Bondone (1267-1337) revolucionó el arte italiano, ya que gracias a sus maestros Bizantinos heredó sus metodos, y sus propósitos y perspectivas a los
grandes escultores de las catedrales nórdicas. Sus obras más famosas, son sus
frescos, un claro ejemplo es cuando entre 1302 y 1305 cubrió los muros de una
iglesia de Padua, al norte de Italia.
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Giotto di Bondone. La fe, h. 1305. Detalle de un fresco; capilla Dell'Arena, Padua.
http://goo.gl/bhb0h7 |
La imagen anterior muestra la representación de la fe por Giotto como una matrona con una cruz en una mano y un pergamino en la otra,
ésta obra claramente a simple vista parece una estatua, pero es una pintura que
parece una escultura, que gracias a el escorzo de los brazos, el modelado del
rostro y cuello y las profundas sombras en los flotantes pliegues del ropaje Giotto re descubrió el arte de crear la ilusión de la profundidad sobre una
superficie plana. Gracias a esto, las representaciones de la Biblia pareciesen
acontecer justo frente a nuestros ojos.
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Giotto di Bondone. El entierro del Cristo, H.1305. Fresco; capilla Dell'Arena, Padua.
http://goo.gl/vkMxID |
Su obra “El entierro del Cristo" da claramente
un principio de perspectiva, donde Giotto dio a entender que mostrar las
figuras íntegramente, una influencia egipcia que perduró hasta ese entonces era irrelevante, Giotto abandonó ese criterio, pues lo consideraba un artificio, y generó
gracias a la superposición de figuras, una sobre otra, un realismo, que aunque
un poco aglutinado como el de Pisano, daba a entender claramente la escena a
representar.
Lo más curioso de aquella época fue la falta de interés por
apropiación de la obra, puesto que ningún artista solía firmar sus obras, no
había un interés en adquirir fama o notoriedad, es por esto que “ignoramos” a
los artistas que realizaron las esculturas de Chartres, Estrasburgo o
Naumburgo, pero a pesar de todo fueron muy apreciados en su época, aunque su
gloria se la confirieron a las catedrales en las que trabajaron.
Bibliografía: Gombrich, Ernst, Historia del arte (1999), pagina 195-205, editorial Sudamericana S.A.
